Œuvre majeure

Le Cri — Munch

Edvard Munch — l'angoisse faite couleur →

Date

1893

Technique

Tempera, huile et pastel sur carton

Dimensions

91 × 73 cm

Conservation

Nasjonalmuseet, Oslo (autres versions au Munchmuseet)

Une figure spectrale, le visage réduit à un masque d’effroi, les mains plaquées sur les oreilles, la bouche ouverte sur un hurlement silencieux, sur un pont qui domine un fjord, tandis que le ciel s’embrase de rouge sang : Le Cri d’Edvard Munch est l’une des images les plus célèbres de toute l’histoire de l’art, et l’expression la plus universelle de l’angoisse humaine. Après La Joconde, elle est peut-être l’œuvre la plus reconnaissable au monde.

Peint en 1893, Le Cri est le chef-d’œuvre de Munch et l’une des œuvres fondatrices de l’expressionnisme. Il ne représente pas un événement, mais un état d’âme : la détresse, la terreur, le vertige existentiel de l’homme moderne face au monde. En rompant avec la peinture descriptive pour traduire directement l’émotion par la couleur et la ligne, Munch y accomplit une révolution qui allait ouvrir la voie à l’art du XXe siècle. Conservée à Oslo, l’œuvre existe en plusieurs versions, dont l’histoire est aussi mouvementée que l’émotion qu’elle exprime.

Cet article propose une analyse de cette œuvre iconique : sa description, sa genèse, le mystère de son ciel rouge, sa composition, sa signification, et le destin extraordinaire qui en a fait un symbole universel.

L’œuvre — une figure d’effroi

Au centre du tableau se tient une figure devenue universellement célèbre, dont la posture et le visage expriment une détresse absolue. Cette figure, et le monde qui l’entoure, composent une image d’une force émotionnelle inouïe.

Le personnage, au premier plan, est une silhouette ondulante, presque fantomatique, au corps sinueux et au visage déformé, réduit à un masque squelettique : deux yeux écarquillés, des narines béantes, une bouche ouverte en un long cri, et deux mains décharnées pressées contre les joues et les oreilles. Ce visage, qui n’a plus rien d’individuel, est devenu l’image même de l’angoisse. La figure se tient sur un pont, dont la ligne oblique traverse la composition. Ce pont correspond à un lieu réel : une route bordée d’une rambarde, sur la colline d’Ekeberg, surplombant la ville d’Oslo et son fjord.

Derrière le personnage, au loin sur le pont, deux silhouettes sombres s’éloignent, apparemment indifférentes au drame qui se joue. Ces deux figures, réduites à des ombres, accentuent la solitude du personnage central, seul avec son angoisse au milieu d’un monde qui poursuit son chemin. En contrebas, le fjord d’Oslo déploie ses eaux sombres, bleu-noir, tandis qu’à l’horizon la ville se devine, estompée.

Mais ce qui domine et bouleverse, c’est le ciel. Un ciel embrasé de rouge sang, d’orange et de jaune, strié de longues bandes ondulantes qui semblent onduler, vibrer, hurler de concert avec le personnage. Tout, dans le paysage, participe de cette ondulation : les lignes du ciel, du fjord, des collines se répondent en vagues sinueuses, comme si la nature entière était traversée par une même onde de choc. Seule la ligne rectiligne du pont tranche sur ce tourbillon, ancrant le personnage dans un monde qui, autour de lui, semble se dissoudre dans l’angoisse.

La genèse — un cri à travers la nature

Contrairement à ce que l’on pourrait croire, le personnage du Cri ne crie pas : il entend un cri. Cette nuance, révélée par Munch lui-même, éclaire toute la signification de l’œuvre et sa genèse profondément personnelle.

Munch a raconté, dans son journal, l’expérience qui inspira l’œuvre. Un soir, alors qu’il se promenait sur un chemin avec deux amis, au coucher du soleil, le ciel se teinta soudain d’un rouge sang intense. Munch s’arrêta, saisi d’une fatigue et d’une angoisse profondes, et il lui sembla entendre un cri immense, infini, traverser la nature tout entière. Ce n’est donc pas le personnage qui hurle : c’est la nature qui crie, et le personnage, submergé par ce cri cosmique, se bouche les oreilles pour ne pas l’entendre, le visage déformé par la terreur. L’œuvre traduit ainsi une expérience intérieure, une crise d’angoisse vécue, transposée en image.

Cette dimension autobiographique est essentielle. Le personnage du Cri est, d’une certaine manière, Munch lui-même, ou plutôt l’incarnation de son angoisse ; les deux silhouettes qui s’éloignent sur le pont sont les amis mentionnés dans son récit. L’œuvre naît d’un vécu, d’un moment de détresse aiguë que le peintre, hanté toute sa vie par l’angoisse, la maladie et la mort, chercha à exprimer. Munch ne peignait pas ce qu’il voyait, mais ce qu’il ressentait : la peur, le vertige, le sentiment d’être submergé par une force intérieure et extérieure à la fois.

En transposant ainsi une expérience émotionnelle intime en une image universelle, Munch inventait une nouvelle manière de peindre. L’œuvre ne décrit pas un paysage ni une scène : elle donne forme à un état psychique, à une émotion pure. C’est cette capacité à rendre visible l’invisible — l’angoisse, la détresse de l’âme — qui fait la révolution du Cri et sa puissance. Munch ouvrait à la peinture le territoire des profondeurs psychiques, annonçant l’expressionnisme et les explorations de l’art moderne.

Le ciel rouge — la science et le mystère

Le ciel embrasé du Cri, si irréel qu’il semble sorti d’un cauchemar, a intrigué les spectateurs comme les scientifiques. Plusieurs explications ont été avancées, qui ajoutent au mystère et à la richesse de l’œuvre.

L’hypothèse la plus répandue relie ce ciel rouge sang à un phénomène naturel réel : l’éruption du volcan Krakatoa, en Indonésie, en 1883. Cette éruption, l’une des plus violentes de l’histoire, projeta dans l’atmosphère d’immenses quantités de cendres et de particules, qui provoquèrent pendant des mois, dans le monde entier, des couchers de soleil d’une intensité et d’une coloration spectaculaires — des ciels embrasés de rouge et d’orange. Des chercheurs ont suggéré que Munch, dans les années qui suivirent, aurait été frappé par ces crépuscules extraordinaires, et s’en serait souvenu en peignant le ciel du Cri. Le rouge irréel du tableau aurait ainsi une source dans un phénomène atmosphérique bien réel.

Un autre mystère entoure le visage même du personnage. Certains chercheurs ont émis l’hypothèse que Munch se serait inspiré d’une momie, en particulier d’une momie péruvienne qu’il aurait pu voir exposée dans un musée à Paris, à la fin des années 1880, lorsqu’il séjournait dans la capitale française. La ressemblance entre la position recroquevillée de cette momie, ses mains near du visage, sa bouche ouverte, et la figure du Cri, est en effet frappante. Cette source possible, parmi d’autres, montre comment Munch a pu nourrir son image de références diverses, réelles et imaginaires, pour créer une figure d’une force inédite.

Mais au-delà de ces explications, le ciel rouge du Cri dépasse toute source identifiable. Qu’il vienne du Krakatoa ou de l’imagination de Munch, il fonctionne d’abord comme l’expression picturale d’un état d’âme : la couleur non naturelle, violente, angoissante, traduit la détresse intérieure, non la réalité observée. C’est là toute la modernité de Munch : il libère la couleur de sa fonction descriptive pour en faire un pur moyen d’expression émotionnelle. Le ciel n’est pas rouge parce que le monde l’était, mais parce que l’âme du personnage — et du peintre — l’était.

Une composition expressionniste

Le Cri est l’une des œuvres fondatrices de l’expressionnisme, ce courant qui met l’expression de l’émotion au-dessus de la représentation fidèle du réel. Chaque élément de sa composition concourt à cette expression, avec une audace qui rompait avec toute la tradition.

Le principe fondamental de l’œuvre est la déformation au service de l’émotion. Rien, dans le tableau, n’est représenté de manière réaliste : le visage du personnage est réduit à un masque irréel, son corps ondule comme s’il se liquéfiait, le paysage tout entier se tord en vagues sinueuses. Ces déformations ne sont pas des maladresses : elles traduisent visuellement l’état psychique, la manière dont l’angoisse déforme la perception du monde. Sous l’effet de la détresse, le monde perd sa stabilité, ses contours, sa solidité ; tout vacille et ondule. Munch rend cette expérience par la ligne et la forme.

La composition oppose avec force deux principes. D’un côté, la ligne rectiligne et rigide du pont, qui file en diagonale et structure l’espace ; de l’autre, les lignes courbes, ondulantes, tourbillonnantes du ciel, du fjord et des collines. Cette tension entre la droite du pont et les courbes du paysage crée un déséquilibre, une instabilité, qui renforce le malaise. Le personnage, placé à l’intersection de ces forces, semble pris dans un tourbillon qui menace de l’emporter. La diagonale du pont, qui fuit vers le fond, accentue encore le vertige et attire le regard vers les deux silhouettes lointaines et indifférentes.

La couleur, enfin, joue un rôle expressif majeur. Le rouge sang du ciel évoque la violence, la souffrance, l’alarme ; les bleus sombres et les noirs du fjord suggèrent la profondeur, le vide, la mort ; les tons blafards du visage renforcent l’aspect spectral et morbide de la figure. Ces couleurs, non naturelles, sont choisies pour leur puissance émotionnelle, non pour leur vérité descriptive. Par cette utilisation expressive de la ligne, de la forme et de la couleur, Munch crée une image qui ne montre pas l’angoisse, mais qui la fait ressentir, directement, au spectateur. C’est cette efficacité émotionnelle qui fait du Cri une œuvre si puissante et si moderne.

Le sens — l’angoisse de l’homme moderne

Si Le Cri touche universellement, c’est parce qu’il dépasse largement l’anecdote personnelle pour atteindre à une signification profonde et partagée. L’œuvre est devenue le symbole même de l’angoisse existentielle de l’homme moderne.

Né d’une expérience intime de Munch, le tableau exprime pourtant quelque chose que chacun peut reconnaître : le sentiment d’angoisse, de solitude, de vertige face à l’existence. Le personnage n’a plus d’identité, plus de sexe, plus d’âge défini : il est l’homme, tout homme, saisi par la détresse. Son cri — ou plutôt le cri qu’il entend et qui le submerge — est celui de l’anxiété fondamentale de l’être humain, confronté à un monde vaste, indifférent, angoissant. Cette universalité explique la puissance et la résonance de l’œuvre, qui parle à chacun de ses propres peurs.

L’œuvre s’inscrit dans un ensemble plus vaste, le grand cycle que Munch nomma La Frise de la vie, consacré aux grands thèmes de l’existence : l’amour, l’angoisse, la maladie, la mort. Au sein de ce cycle, Le Cri occupe une place centrale, incarnant le pôle de l’angoisse et de la détresse. Il dialogue avec les autres œuvres de Munch, hantées par les mêmes obsessions. Le peintre, marqué dès l’enfance par les deuils et la souffrance, avait fait de son art un moyen d’explorer et d’exprimer les profondeurs douloureuses de la psyché humaine. Le Cri en est l’expression la plus aboutie et la plus universelle.

Munch était pleinement conscient du caractère dérangeant et radical de son œuvre. Sur l’une des versions, il inscrivit de sa main une phrase révélatrice, affirmant que l’œuvre n’avait pu être peinte que par un fou. Lorsque Le Cri fut exposé pour la première fois, la critique fut d’ailleurs sévère, mettant en doute la santé mentale du peintre. Mais cette audace, ce refus des conventions, cette plongée dans l’émotion brute étaient précisément ce qui faisait la modernité de Munch. Là où ses contemporains voyaient de la folie, on reconnaît aujourd’hui le génie d’un artiste qui osa dire, en peinture, l’indicible de l’angoisse humaine.

Les cinq versions et le destin d’une icône

Le Cri n’est pas une œuvre unique, mais une image que Munch déclina en plusieurs versions, et dont le destin, à travers vols et ventes spectaculaires, a contribué à faire une icône mondiale. Cette histoire mouvementée fait partie de la légende de l’œuvre.

Munch réalisa cinq versions du Cri, sur une période s’étendant de 1893 à la fin des années 1910, en utilisant diverses techniques : peinture, pastel, et même une lithographie qui permit de diffuser l’image. La version la plus célèbre, peinte en 1893, est conservée au Musée national d’Oslo ; le Musée Munch, également à Oslo, en conserve d’autres versions ; une version demeure en mains privées. Cette multiplicité témoigne de l’importance capitale que revêtait cette image pour Munch, qui y revint à plusieurs reprises tout au long de sa vie.

Le destin de ces œuvres a été aussi mouvementé que l’émotion qu’elles expriment. Deux versions du Cri ont fait l’objet de vols spectaculaires qui défrayèrent la chronique : l’une fut dérobée en 1994, avant d’être retrouvée quelques mois plus tard ; une autre fut volée en plein jour en 2004, et ne fut récupérée que deux ans après. Ces vols, largement médiatisés, ont paradoxalement renforcé la notoriété déjà immense de l’œuvre. Par ailleurs, l’une des versions, mise aux enchères en 2012, atteignit un prix vertigineux, se hissant parmi les œuvres les plus chères jamais vendues, ce qui consacra son statut d’icône du marché de l’art.

Au-delà des musées et des salles des ventes, Le Cri a conquis la culture populaire mondiale. Son image, immédiatement reconnaissable, a été reproduite, citée, parodiée, détournée à l’infini — dans la publicité, le cinéma, le dessin, jusqu’aux émoticônes de nos téléphones. Le personnage aux mains sur les oreilles est devenu le symbole universel de l’angoisse, de la panique, du stress de l’homme contemporain. Peu d’œuvres d’art ont atteint une telle diffusion et une telle universalité. Le Cri appartient désormais à l’imaginaire collectif de l’humanité, expression intemporelle d’une angoisse que chacun, un jour, a pu éprouver.

Où voir l’œuvre

Les versions du Cri sont conservées à Oslo, en Norvège, la ville de Munch. La version peinte la plus célèbre, celle de 1893, est présentée au Nasjonalmuseet, le Musée national de Norvège, parmi les trésors de la collection nationale. Le Munchmuseet, le musée entièrement consacré à l’artiste, en conserve d’autres versions et offre une vue d’ensemble incomparable sur son œuvre. Pour découvrir Le Cri et l’univers de Munch, Oslo est donc la destination incontournable. Compte tenu de la fragilité des œuvres et de leur présentation par roulement, il est utile de vérifier, avant toute visite, quelle version est exposée et dans quel musée, en consultant les sites officiels.

Pour aller plus loin

Documentation institutionnelle

Nasjonalmuseet, Oslo — le Musée national de Norvège, où est conservée la version de 1893.
Munchmuseet, Oslo — le musée entièrement consacré à l’artiste.